En accompagnant la vie quotidienne d’une vieille habitante du village de Doel, le film raconte comment l’expansion du port anversois menace de disparition ce village de Flandre orientale. Doel revient régulièrement à l’avantplan de l’actualité, non seulement parce qu’il abrite l’une des deux centrales nucléaires de Belgique, mais aussi parce qu’il compte au nombre des villages dans les marais du pays de Waas qui devraient être sacrifiés pour faire place à l’expansion du port d’Anvers. L’expropriation des habitants et l’évacuation totale de la localité a été décidée en 1999 par le gouvernement flamand. Divers comités d’action s’y opposent cependant farouchement depuis des années. Le cinéaste a suivi le destin d’Emilienne qui essaie de continuer à vivre au milieu de son village mourant. Emilienne n’est pas une activiste, c’est une vieille femme douce mais tenace qui ne voit pas pourquoi elle quitterait sa maison et s’éloignerait de la tombe de son mari. Chronique d’une résistance tranquille et têtue contre les bulldozers de la barbarie économique. Ce film fut en compétition internationale au IXe Festival international de cinéma Doclisboa, sélectionné au Festival du film de Berlin, aux RIDM de Montréal, aux Etats généraux de Lussas.

Dans les années cinquante, Neil Andrew Megson est ce garçon brun à la raie bien droite qu’on voit sur la photo noir et blanc. En 70, on le retrouve, le cheveu ras, père de deux petites filles. Aujourd’hui, il est Genesis O-Porridge, créature en perruque blonde et lèvres pulpeuses obligées, exhibant tendrement ses nichons. Fils d’un fou de jazz et héritier volontaire de la beat génération, le joli garçon britannique a endossé, duran plus de quarante ans, les figures les plus radicales de l’underground artistique, des années soixante à aujourd’hui. A soixante ans, il entasse son passé dans des tiroirs de photographies, de pellicules 16mm, dans des rangées de vinyl ou de livres qui remplissent son grenier. Rien de nostalgique chez lui. Tout cela est vivant. Et lui s’agite toujours comme un beau diable de provocateur qu’il n’a jamais cessé d’être. Jusqu’à sa rencontre avec lady Jaye, la deuxième femme de sa vie qu’il rencontre dans le donjon d’une dominatrice.

1973

Trois ans après le tournage de Ces soldats qui ne sont pas revenus, Imamura invite l’un des protagonistes,
Fujita, installé en Thaïlande, à retourner au Japon. Micro au poing, une caméra pas loin, le réalisateur le suit dans ses retrouvailles avec le Japon, la famille. Fujita, c’est « l’impérialiste pur et dur ». C’est aussi « l’oublié », déclaré mort par l’armée. Un mort qui se rebiffe face au grand frère profiteur. Imamura accompagne cet incroyable voyage de Fujita, curieux des méandres de l’âme humaine, passionné de l’incarnation ici violente de l’Histoire du Japon de l’après-guerre.

2011

En 2003, le réalisateur filme des enfants de son quartier de Palerme. Parmi eux, Antonio. Un gamin de 12 ans dont la personnalité concentre vite toute l’attention du filmeur. Commencé comme un film social sur des gamins des rues, le tournage s’arrête soudain parce que l’enfant ne veut plus être filmé. Sous-titré Récit d’une rencontre interrompue, Cadenza d’Inganno donne à lire l’histoire d’une relation cinématographique, d’un lien suspendu entre un filmeur et un filmé. Le joli coup de théâtre venant du filmé lui-même qui décide près de dix ans plus tard que le film peut continuer. Et qui décide également du scénario. Le filmeur alors joue le jeu

2011

Sous le coup d’une condamnation de l’Etat iranien, Panahi, reclus entre les murs de son appartement, fait de sa situation le sujet même de son film : que reste-t-il à un cinéaste qui n’a plus le droit de filmer et qui attend qu’on le jette incessamment  en prison ? Une vaste gamme de réponses fournit la matière du film, qui chronique, à la façon d’Oblomov, une journée de la vie de Jafar Panahi. Prendre le petit-déjeuner. Téléphoner à son avocate. Faire des plans de l’appartement vide. Tourner en rond. Puis demander à Mojbata Mirtahmasb, un ami documentariste, de venir le filmer chez lui, pour lire quelques extraits d’un scénario censuré : l’histoire d’une jeune fille cloîtrée dans son appartement par ses parents. Prendre au pied de la lettre l’interdiction de tourner pour mieux la détourner et mettre en scène, à l’aide de ruban adhésif en guise de marques au sol, les premiers plans imaginaires de ce film avorté. Puis constater, rageusement, que cela ne sert à rien. Se raccrocher alors aux écrans de l’ordinateur, de la télé et du téléphone portable, ou méditer en compagnie d’un iguane prénommé Iggy, qui promène sa punkitude dans l’appartement. En un mot, filmer le désoeuvrement, l’angoisse, et en même temps l’extraordinaire refus de la résignation qui les accompagne par le simple fait de les filmer.

2010

Quelque part dans le Dakota du Sud, une adolescente a disparu. C’était dans les années 30, elle était la fille des riches propriétaires de la ville. Toutes les filles de son lycée ont longtemps pensé sa disparition comme un rêve d’ailleurs. Et des années plus tard, on la retrouve. Le cinéaste s’empare de ce fait divers passé et l’écrit comme une nouvelle mélancolique, une sorte de conte pour jeune fille sans destin. Sur un fond d’images d’archives en noir et blanc prises sur le vif dans l’Amérique de ces années-là, un commentaire lapidaire écrit l’histoire sur des cartons qui défilent lentement. Quelques notes de piano rythment le récit comme une chanson triste. Une sobriété qui semble retenir un flot de bruit et de fureur. La petite musique distillée pourrait être l’ébauche d’une passion, la nouvelle, celle d’un grand roman. L’image anonyme de l’adolescente lumineuse et grave qui ouvre le film semble une image mentale, de celles qui déclenchent les grandes machines romanesques. (APG)

2001

Disneyland, mon vieux pays natal, comme ses autres films, puise dans la matière propre au documentaire et dans le commentaire d’une situation (elle-même traversée de citations et d’emprunts plus ou moins révélés ou détournés), déplace le récit dans le champ de la fiction et, par le détour de la fable, entend libérer une “puissance de vérité”. Une méthode de travail que résume Jean-Pierre Rehm : “Jouer ainsi  la fiction d’un réel reconstruit contre l’effet de croyance induit par le documentaire, flanqué de son insupportable cortège d’alibis frelatés (...), la construction de l’après-coup contre le supposé vrai du live”. Arnaud des Pallières donc, au pays de Mickey, adopte les conditions d’un visiteur ordinaire : il s’immerge pareillement dans “l’univers du merveilleux”, rencontre ses semblables, teste les mêmes attractions. Il prend acte des différentes situations proposées, n’aborde pas ses personnages sous l’angle de la caricature ou du burlesque, et multiplie les séquences pour considérer Disneyland, sans ironie, dans sa globalité et sa complexité (monde du spectacle, du travail, du souvenir, du mythe de l’enfance, du rêve et de son aliénation...).(extrait d’un article de Claire Jacquet, Trouble)

1980

On y découvre, outre les live hystériques des Pistols menés par un Johnny Rotten au regard halluciné, les frémissements d’un mouvement mort-né, pris entre la fin des idéologies hippies et le cynisme consumériste des années 80. «Pour moi, le punk symbolisait la dernière vision idéaliste du monde, confie Lech. Une vision romantique et belle d’un monde en guerre. Oui, c’était une guerre, chargée d’énergie, qui dénonçait le système capitaliste vers lequel on se dirigeait. La tournée des Sex Pistols elle-même avait été planifiée par Malcom McLaren comme une véritable invasion, qui prenait d’assaut le ventre mou de l’Amérique profonde. New York avait été soigneusement évité. Too big ! En fait, la tournée était au départ prévue pour les New York Dolls. Le groupe commençait à battre de l’aile, et McLaren voulait ressouder tout ça. Mais Johnny Thunders et Jerry Nolan étaient défoncés du soir au matin. Un jour, ils ont tout plaqué et sont rentrés à New York... Alors McLaren est retourné en Angleterre. C’est comme ça qu’il a eu l’idée de refourguer la tournée aux Sex Pistols.» Accompagnant le groupe de ville en ville, l’image tremblée et sale, soulignée par une bande-son impressionnante (The Clash, Sham 69, Dead Boys...), nous fait pénétrer dans l’intimité du groupe et de ses fans imbibés d’alcool. Il y a surtout cette scène dans une chambre d’hôtel, où Sid Vicious et Nancy Spungen, complètement défoncés, gisent sur le lit dans un état de délabrement qui semble annoncer la fin tragique du couple quelques années plus tard. (Nathalie Dray / Les inrockuptibles, 2004)

1971

Près de trente ans après la fin de la seconde guerre mondiale, nombre de soldats japonais, laissés pour compte par le Japon, restent là où les a amenés la guerre. Trois d’entre eux, restés en Thaïlande, sont les protagonistes de cet étonnant documentaire d’Imamura. Mélange de cinéma direct et de mise en scène, le film réunit ces trois anciens soldats qui ont refait leur vie qui dans l’agriculture, qui dans la médecine. Ecrit à grands traits de commentaires à la première personne, d’interviews sur le vif et de mises en situation provoquées par le réalisateur, le film avance nerveusement dans les replis des destins de ces soldats perdus. Trois incarnations dérisoires et tragiques de ce que fut l’impérialisme japonais que Shohei Imamura observe et agite, sans jugement. Juste une intense curiosité.

1996

Deux enfants des rues, Gigi et Monica, s’aiment. Ils vivent en bande dans la Gare du Nord de Bucarest. Ils survivent plutôt, au jour le jour, de petits travaux aux maigres profits. Ils s’accomodent d’un quotidien fait d’insécurité, de marginalité et jouissent, avec l’insouciance de la jeunesse, de leur liberté. Monica apprend qu’elle attend un enfant et leur existence déjà si précaire est bouleversée. Gigi retourne à la campagne chez sa mère et lui demande de les accueillir. Ils s’installent dans la petite maison au milieu des champs, confiants, malgré la cohabitation avec le beau-père qui déjà a provoqué des drames et les effraie tous deux. Le rêve de Gigi est de quitter la rue, de trouver un toit, de fonder une vraie famille. Monica retournera à la ville pour accoucher et mettre au monde une petite Bianca. Ces parents-enfants pourront-ils assumer longtemps cet acte de confiance dans la vie ?

1968

En 1966, une troupe de café-théâtre emmenée par Marc’O joue la pièce Les Idoles, une satire du showbiz qui fait un tabac à Paris. Marc’O adapte alors sa pièce au cinéma. Le film sort en juin 1968. Un film mythique, et diablement visionnaire. Comment en effet ne pas penser à Popstars et autres Star Academy, en suivant l’histoire édifiante des trois idoles de la génération yé-yé : Gigi la folle (Bulle Ogier qui débute à l’écran), Charlie le Surineur (Pierre Clémenti, aussi sublime que Bulle) et Simon Le Mage (Jean-Pierre Kalfon parfait en idole platine). Des impresarii cyniques tentent de rentabiliser leurs stars à coup de «recettes» plus ou moins énormes, mais lors d’une interview, les trois idoles se sabordent en public... Comédie musicale psychédélique, satire implacable et provocatrice, Les Idoles est un film incroyablement contemporain. Le film est ressorti en salles en 2004.

1969-1998

Le film « Lorsque nous le rencontrons, John Cassavetes est déjà l’auteur de trois films, Shadows, film indépendant réalisé à New York, puis Too Late Blues et A Child is Waiting, deux expériences hollywoodiennes qu’il juge désastreuses. Il vient de terminer le tournage de Faces dont le montage durera trois ans. C’est le film de la naissance d’un cinéaste que nous proposons. Trois ans plus tard, Faces est terminé et John Cassavetes fait une escale à Paris, en route pour le Festival de Venise. Ce n’est plus le même homme qui s’exprime, mais un homme mûri, qui se retourne sur lui-même et tire les leçons de son expérience. Un homme qui raconte l’Amérique, l’entreprise de Shadows – film de l’adolescence et de l’espoir – et celle de Faces – le film de l’âge mûr et du désenchantement. » (André S. Labarthe)

Alice Diop a choisi de suivre le parcours de Steve. Un grand gaillard, noir et baraqué, issu de la cité des 3000 à Aulnay sous Bois, en Seine Saint Denis. « Paraît que je fais peur… » Pourtant Steve est un garçon fragile. Steve n’est pas le héros d’une série policière sur TF1, depuis trois ans Steve est élève du cours Simon à Paris. Et c’est là le dilemme de Steve : la cité des 3000 et le cours Simon. En suivant le chemin qu’il parcourt régulièrement, de la cour de sa cité à l’école de théâtre, Alice Diop met en images la distance sociale que Steve franchit. Aulnay-Paris. Au check-point qui sépare la banlieue de Paris, Steve laisse une part de lui-même. « Des fois je me sens pas à ma place… on n’est pas pareils, on n’est pas dans le même monde ». Dans les cours, Steve semble embarrassé de sa carrure de banlieusard. Sur scène, on le cantonne aux rôles de noirs (de « blacks », ils disent). Paris-Aulnay. Le retour dans la cité, n’est pas plus facile. Il n’a pas réussi à dire à ses potes qu’il fait du théâtre. En une seule séquence, finale, Alice Diop nous fait saisir de quoi il parle et pourquoi il est là. Dans la cour de sa cité, face à la caméra, Steve est Danton, figure tragique de la pièce de Büchner. Et les mots du discours de 1794 font frissonner les murs de béton : « Nous avons mis fin au monopole de la naissance Nous avons mis fin au monopole de la fortune… Ce souffle pour tous les hommes, Cette soif de liberté, personne ne pourra l’étouffer. »